Django Django

Django Django

(Because Music, 2012)

Por Cecilia Villaverde

En un mundo donde lo visual ha superado los demás sentidos resulta complejo el traslado de lo más profundo y salvaje de las selvas tropicales a un árido infierno arenoso, en escenas que sólo podrían ocurrir en el celuloide. Para muchos la música puede ser un escape, pero en ciertas ocasiones la música trae un recorrido trasatlántico necesario desde el momento en que se oprime play.

A la primera escucha, en Django Django se materializa una banda de los sesenta atrapada en un reloj que regresa para aprovechar los avances tecnológicos y carga consigo detalles de cada década y continente posible. Django Django no es una banda indie ni experimental: es una ensalada psicotrópica de loops espaciales, guitarras folk y beats al ritmo de fúricos caballos. La receta secreta quizá sea lo meticuloso de su música; de segundo a segundo la carga sinestética entrega el paquete completo (no por nada les llevó casi tres años desde su formación presentar este debut). El baterista y productor Dave MacLean (hermano del tecladista de The Beta Band, John MacLean) se imagina que vive en la luna al componer, cosa que ciertamente explica lo ecléctico y excéntrico de Django Django.

El primer escenario que se presenta es una selva al amanecer: ranas, grillos y aves exóticas hacen música en las orillas de ríos burbujeantes y tambores tribales que se entrelazan poco a poco con “Hail Bop”, una anunciación in crescendo de la forma que tomaría una colaboración de los Beach Boys con Pink Floyd. Lo que sigue es la cúspide de su sonido: acordes de la psicodelia setentera y espirales extraterrestres se complementan con el color del pandero, haciendo a “Default” el punto más divertido del viaje. Las influencias pasan desde los Beatles hasta a Miami Horror, con melodías que dan la sensación de estar encerrado en una lavadora. Esto se aprecia en tracks como “Zumm Zumm” y “Waveforms”, mientras que en “Hand of Man” tiran por la borda todo lo que creíamos ya saber sobre el sonido de la banda. 

A partir de “Love’s Dart”, el trote de un caballo en lo solitario del desierto refleja una libertad indeseada: “Love’s dart no longer shot/ you remember about the girl with the golden hair”, quizá la canción más plana del disco en lo musical, pero emocionalmente la más sincera, que sirve de antelación a una persecusión cowboy. La sirena de emergencia y los lobos anuncian la canción más completa del recorrido, 'Wor", mientras reducen los puntos de tensión extrema a la calma e incertidumbre con la precisión de The Ventures.

Tommy Grace, tecladista de la banda, fue el realizador del arte de la portada de Django Django: una superposición de dunas desérticas, un abanico de tonos ácidos y un símbolo que bien podría ser una reinterpretación propia del Om. El frente del disco y, por tanto, el inicio de la producción, profetiza lo que queda al final del viaje: un desierto, camellos hundiéndose en arena y la voz de Cara Tolmie completando las escalas orientales en “Skies Over Cairo”.

Aunque en un principio parecieran haber demasiadas divisiones genéricas y que quizá sonaría más a compilado que a un solo concepto, la esencia artística es la misma durante 45 minutos, un círculo tejido delicadamente con un final inesperado. Innovación y excentricidad no siempre significan mejora, sin embargo Django Django encontró la vía exacta para concretar influencias con ingenio, todo en un viaje redondo.

Por Susana Medina

Una presentación de El Guincho es similar a los rituales de fiesta de las ardillitas de Madagascar o las aves de Rio, y es que el llamado a la pachanga es algo muy similar al llamado de la jungla. Bailar al ritmo de este músico de las Canarias es simplemente una reacción del instinto.

 El Guincho se presentó el jueves 2 de febrero en el Teatro Fru Fru, convirtiendo el cementerio de recuerdos de la Tigresa, en un bacanal tropical donde mujeres y hombres sacudían el pecho cual gorila frondoso. Si Lorenzo Lamas hubiera aparecido ofreciéndome un coctel con ron Bacardi Blanco, no me hubiera sorprendido.

Momentum

Evidentemente, “Bombay”, mientras que El Guincho presentó canciones de todos sus álbumes, sin duda Pop Negro ha sido uno de los más brillantes y el que apareció cuando el público estaba más receptivo a este género musical. Pero el público asistente también coreó “Novias” y “Ghetto Facil”: incluso la enigmática línea “caballo negro en tu cara,” sea lo que esto signifique.

El Guincho tiene cierta química con el público mexicano: si en el Vive Latino soltó una carcajada cuando alguien le gritó “Ponle play” durante un momento confuso antes de empezar una canción; el jueves resumió en una sola frase la patología más mexicana de todas, haciendo referencia al programa Futbol Picante: “¿hasta qué nivel de picante puede llegar esta gente? Sin duda lo que tenemos en común es un ligero sentido del humor y facilidad por la sabrosura.

Extravagante

Ver a la manada comenzar a bambolearse como las palmeras enfiladas en la entrada de Acapulco cuando vienes por la carretera de cuota. Algo de instintivo tiene la incitación de El Guincho y como “Novias” dice, “si tanto me quieres, haz como el resto de las mujeres”… con sus presentaciones haces lo que el resto de los humanos harían ante tal provocación. Lo extravagante es que ciertos coros, ciertos arreglos y hasta la verbalización de vocales que expresan placer tales como “UH, AH”, hacen que El Guincho sea el Garibaldi de quienes tienen buen gusto.

Lamentable

El lamentable más recurrente y del que más nos olvidamos tras el estertor de la fiesta: el sonido. La banda abridora Little Ethiopia, probablemente no tuvo su mejor noche, pero el peor enemigo que tuvieron fue el audio, que a pesar de aguafiestas no logró impedir que se rescatara el hecho de que tienen muy buenas canciones. Su presentación fue tan frustrante como asolearse con bloqueador del 100. Con el Guincho mejoró, pero fue como asolearse con jugo de zanahoria… los colores de la música no eran los naturales.

Moraleja

Cuando su mezcolanza de ritmos tropicales, beats africanos y el “toque blanco” del indie rock se conjuntan, hasta los balcones lúgubres del Teatro Fru Fru se convierten en árboles selváticos que hacen sombra sobre el acalorado público y las tétricas esculturas doradas de una diva ahora caduca y arrugada, se transforman en ídolos paganos a los que hay que rendirle tributo sacudiendo lo sacudible. Entre tanto sudor y despreocupación: hasta el lenguaje se relaja y como lo hace El Guincho nos damos a entender sin pronunciar la letra “S” o terminar las palabras.

El nuevo álbum de Trent Dabbs puede compararse a los rituales matutinos del hombre que satisfecho consigo mismo, ha salido de casa a las 6 de la mañana para ir a trabajar. Southerner da la bienvenida a las primeras horas de la mañana con la misma decisión que un baño, unos panes tostados y un caférecién hecho. Desde los tenues tonos de su voz, hasta los riffs de su guitarra, esta producción parece correr sobre las vías de un tren que sin prisa ha iniciado su curso, horas antes de que la ciudad comience a despertar.
Trent Dabbs se especializa en música country y folk. Southerneres su sexto álbum de estudio y haciendo honor a su género es unindudable disco de carretera: especialmente eficiente cuando se escucha por la mañana, en una ciudad aun despejada, con una agenda saturada por delante. Debe ser el espíritu del campo, deben ser los coros airosos parecidos a la ventisca que se siente en la cara cuando te asomas por la ventana de un auto en movimiento, pero algunas referencias musicales ofrecen mejores argumentos que comprueban esta descripción.
El trabajo de Trent Dabbs me recuerda al ambiente abovedado que la guitarra y vocalización de Nick Drake eran capaces de evocar. En Southerner no existe ninguna canción como “Cello Song” del Five Leaves Left, pero al igual que Drake, las piezas de Dabbs están encarriladas con la misma decisión hacia un destino que sólo él conoce, pero que al escucha lo otorga seguridad. Al mismo tiempo, la composición de las letras y el temblor de su voz, podría apetecer a los fans de Bright Eyes: sus palabras tienen una especie de tranquilidad y sabiduría que sólo el camino te puede brindar.
Todo en Southerner evoca paz. Desde la portada en beige con una mancha de humo donde se difumina la figura de un caballo, un ave y una ramita de árbol, hasta el nombre que sugiere que en la vida del sureño le sobran los minutos al día. Los tracks son pausados,tenues y justo hablan de una inmensa tranquilidad: “Keep Me Young”o “Catch Me Up To Speed” son el ejemplo perfecto de ese apacible estado que sólo es comparable a la calma inconfundible de ir con tiempo al trabajo… o no tener nada que hacer.
La carrera de Trent Dabbs comprende colaboraciones con el colectivo Ten Out Of Tenn, y con la artista country Ashley Monroe, también, una pieza de su primer álbum Quite Often, aparece en el soundtrack de The O.C. A pesar de esto, Southerner podría pasar desapercibido,pues no es exactamente el álbum que compartirías sin discreción. Su efecto parece ser personal y que requiere de un momento de oportunidad: es el álbum correcto, para el momento correcto, lo ideal es escucharlo a la hora del día donde tu estado de ánimo no se ha comenzado a descomponer, o necesitas revigorizarte.

Este contenido es cortesía de Burn.

Born to Die

Lana Del Rey

(Interscope Records, 2012)

Por Eduardo Lugo

Toda Artista Pop debe tener ciertas características indispensables como: belleza, presencia, talento al cantar o bailar y una referencia que inevitablemente origina comparaciones, como Britney con Madonna o Lady Gaga con Grace Jones. La influencia directa de Marilyn Monroe, un ícono de femme fatale,  en la Lizzy Grant rediseñada es muy clara, pero ésa no es la intención de Lana Del Rey.

Tras todo el barullo que ocasiona hablar de esta neoyorkina, por fin sale a la luz Born to Die, primer álbum de estudio, que después de los melancólicos del año pasado “Born to Die” y “Video Games”  público y prensa reaccionaron de tal forma que prácticamente exigieron este álbum. El sello al que pertence Del Rey es Interscope, casa de U2, Lady Gaga, N*E*R*D, Yeah Yeah Yeahs entre muchos más artistas de renombre, de ahí el apoyo tan grande que tiene de sus representantes. También ayuda que su padre tenga el dinero e influencias propias de un magnate de dominios de Internet.

El álbum está compuesto por 15 canciones en una edición deluxe, y de 12 para la versión normal. En ambas abre con “Born to Die”, sencillo que le da nombre al álbum y que es prácticamente el núcleo del álbum, el resto es sólo una derivación desafanada de su ya masticada melancolía y altivez. Le sigue “Off to the Races”, un corte tan pop que podría pertenecer a Nicki Minaj, donde se autodenomina como una loca que mendiga un beso en la boca: “kiss me on my open mouth”, solloza con la voz aguda y seductora de un súcubo. “National Anthem” es otra de las canciones conocidas; suena el muy socorrido coro de niños, tal vez un homenaje a sus inicios, ya que LDR formó parte de un coro de iglesia en su infancia. Este disco es una nítida escena del cine de oro de Nueva York cerca de los suburbios representada exitosamente en las canciones “Radio”, “Carmen” y “Million Dollar Man”.

La belleza lyncheana que posee tanto el físico como la voz de Lana Del Rey hipnotiza con facilidad, además de que su magnetismo visual se refleja en el álbum: atrapa y absorbe hasta querer escuchar cada detalle del sonido, el cual es genuino, tan bien hecho que al final resulta ser unidimensional. La propuesta “alternativa” que se anunciaba se queda solamente a nivel de imagen y su autodenominación como Nancy Sinatra solo está en el tono que canta, el cual es similar, pero en cuanto a contenido, Born to Die es pop ordinario.

Como artista pop, Lana Del Rey cumple, su intención de no ser una  femme fatale más se queda en eso: una intención. No se niega su gran voz, belleza aparentemente única (después de todo, sigue siendo una estrella blanca, rubia y delgada), un personaje que convirtió el duckface en un estilo de canto, pero musicalmente la propuesta quedó en el aire. A pesar de ser un gran talento, como lo demuestran videos firmados por Lizzy Grant, el álbum es flojo y puede llegar a ser tedioso para aquellos que no disfrutan tanto del pop femenino, como el de Christina Aguilera o Pink. Lana del Rey marca una era posmoderna en la que los melómanos se escarban las neuronas para tratar de etiquetar como mainstream o indie un fenómeno que simplemente es música fácil de digerir.

Por Leonora Milán

Fotos por Beatríz Creel 

El viernes 27 de enero se dio cita, dentro del foro de moda del DF, un reducido grupo de gente que, en su mayoría, pasaba de los 25 años de edad y cuyos rostros se encontraban iluminados por la emoción de estar a punto de ver lo impensable: una presentación de Bran Van 3000. Digo lo impensable porque, afrontémoslo, todos habíamos perdido ya la esperanza de que esta banda de Montreal viniera a nuestro país, sobre todo, tantos años después de su momento de mayor gloria. ¿Tantos? Se preguntarán ustedes. Sí, tantos, les respondo. Su álbum debut, y más exitoso, “Glee”, fue editado en 1997; “Discosis”, el segundo y un poco menor en la respuesta que recibió, en 2001. Los últimos dos, de 2007 y 2010 pasaron un poco de noche; es por eso que se había perdido la esperanza, y por eso también fue que los pocos que fuimos al Plaza estuviéramos tan contentos de poder tenerlos por fin enfrente.

El asunto tardó un poco en empezar; no sé si fue estrategia de los promotores para ver si chicle y pega se llenaba un poquito más el recinto. Una hora más tarde de lo marcado en el boleto, comenzó por fin... guapos y animosos, brincaron al escenario los 7 miembros recientes del colectivo canadiense. Que no les dé roña el uso del término “colectivo”; ellos fueron uno antes de que el término se popularizara.

Empezó, les decía. Y empezó bien; una intro baladosa, con la que también comienza su último álbum, “The Garden”. De ahí, se soltaron al reggae, ritmo predominante en la presentación, acompañado por otros como disco, hip hop, electropop y cuestiones tribales que, combinados, lograron que se armara una fiesta de lo más interesante. Que si me piden encasillar el evento dentro de una categoría, sería esa: fiesta, más que concierto, porque tal vez en ese aspecto dejaron un poquito a desear. Volveré a ello más adelante.

Como fiesta que fue, contó con visuales cuidados, desde extractos de Bambi hasta comics y escenas de películas y stills del viejo Hollywood, que acompañaban a otro aspecto visual de su show que terminó por resultar más importante: el de los mismos músicos. Les mencioné que eran guapos; me gustaría enfatizarlo aquí: al recopilar opiniones a lo largo de y al final del concierto, la frase más sonada fue: “con la vocalista me caso ahorita. Estoy enamorad@”. El otro comentario predominante que recopilé, volviendo a lo que mencioné anteriormente respecto a su calidad como concierto, fue el siguiente: “estuvo horrible. Chafísima. No tocaron nada”. Ahí les va la explicación. Las primeras tres canciones fueron de “The Garden”; la cuarta y quinta, un combo tribal, “Go Shoppin” y “More shoppin” de “Discosis”. La sexta, de “The Garden”. La séptima, de “Rosé”. ¿¿De qué se trata?? ¡Si todos estábamos ahí por “Glee”! Cuando por fin tocaron “Astounded”, uno de sus grandes éxitos, por ahí de la mitad del concierto, pensamos todos que la cosa iba para arriba; lo fue, en el sentido de que, insisto, fue un fiestón. Sin embargo, lo único que le dieron a los más clavados de la primera parte de su trayectoria fue una versión insufriblemente tranquila de “Rainshine”, la que sostengo es su mejor canción, llena de guitarrazos; “Drinkin in LA” de la cual nunca podrán zafarse, y una rendición incompleta y breve de “Love Cliché”. Entendiéndolo así, el evento apestó, peor que un queso francés sudado; sin embargo, los que nos relajamos y lo tomamos con filosofía, fuimos partícipes de un revenzote de hora y media en la que ocurrió lo que enlisto a continuación. Los músicos se cambiaban de ropa, el bajista hacía un movimiento perpetuo de cuello cual paloma caminando por el centro de Coyoacán, antifaces, máscaras, roles musicales que se intercambiaban, todos cantando, una percusionista musculosísima que bailaba performanceramente, momento de subir al publico al escenario a bailar un popurrí que incluyó versiones de “Sing it back”, de Moloko, y “I feel love” de Donna Summer creciendo todo hasta dar una sensacion medio de que uno estaba a medio rave en el Ajusco, y finalmente el mensaje político de “Occupy Mexico”. Si lo anterior no les pareció a los asistentes como una digna visita de los canandienses a la ciudad, pues qué aburridos. Yo me divertí, noventeramente, muchísimo. 

Publicado originalmente en Filter México

Los que conocen a Bran Van 3000 seguramente recuerdan con mucho cariño como los canadienses se aventuraron a usar términos para definirse que no se usaban en la música, y su inquietud por hacer que distintos géneros e influencias se encontraran en sus composiciones. A tan sólo unos días de presentarse en El Plaza Condesa, tuve la oportunidad de platicar con James Di Salvio, fundador de la banda canadiense. James platicó acerca de todos los temas que conforman el alma del colectivo: desde Sayulita hasta Curtis Mayfield, esto fue lo que James Di Salvio platicó.

Están apunto de presentarse por primera vez en México, ¿saben que tienen muchos admiradores aquí que los esperan con ansias?

De hecho no lo sabía, pero con las entrevistas que hemos estado haciendo, cada vez me hago más consciente de ello. Siento una gran conexión con México. De hecho una gran parte de nuestro último disco fue grabado en Sayulita y cuando grabamos Rose yo estaba viviendo en un vecindario mexicano en Los Ángeles. Tal vez esta conexión de la que te hablo sea mucho más profunda de lo que creemos pues lleva ya casi ocho años, por lo menos para mí sí lo es.

¿Cómo se dieron las cosas para que Sayulita entrara como una posible sede de grabación de su último disco?

Mi novia de aquel entonces estaba visitando a su prima ahí y se enamoró instantáneamente de México. Ni siquiera hablaba español y en tan sólo dos semanas logró dominar el idioma; ella hace joyería así que abrió una pequeña tienda con sus cosas a un lado del mar y pasamos algunos inviernos ahí. Hicimos muchos amigos, escuchamos un reggae increíble, fue un momento muy especial en mi vida. Eso fue para Rose hace aproximadamente dos o tres años.

Antes de eso, en el  2002 “Go Shopping” fue incluída en el soundtrack de Y Tu Mamá También. ¿Sabían algo de la película cuando se acercaron a ustedes?

En realidad fue una de esas situaciones donde recibes una llamada y crees en el director que está realizando la película. Pero la verdad es que jamás pensamos que fuera tan buena. Una cosa es que tus canciones aparezcan en la película, y otra que los personajes baile y disfruten tu rola. Es como cuando en Wayne’s World rockean con Queen de fondo. Es increíble poder decir “Wow! Están bailando Bran Van, que chido!”

Creo que podrías enamorarte de México con ver la película. El roadtrip a través de las playas mexicanas hace que se te antoje tomar un auto y manejar hasta llegar ahí. 

¡Sí! Es todo un roadtrip, al igual que Bran Van 3000, por eso creo que es la película perfecta para nosotros. A veces estamos en Los Ángeles, en Chicago y luego de regreso a Montreal y después nos vamos a Nueva York. Existe una espíritu gitano en la música y creo que tiene una característica gitana en la música, y de alguna forma creo que Y Tu Mamá También logra captar justamente eso.

Hablando del espíritu gitano ¿Crees que por ser un colectivo, Bran Van 3000 tenga esa esencia?

Sí definitvamente, por eso nos gusta también usar el término soundsystem. En Jamaica, en la época de Bob Marley, Gregory Isaacs, Sugar Minards, Barrington Leavie, todos ellos usaban casi siempre a los mismos músicos. Desde que empezamos, hemos visto a nuestros hijos crecer y muchos de ellos son músicos; en este vecindario tratamos de asegurarnos de que haya una nueva generación que pueda tomar el micrófono y contar sus propias historias. Eso es algo que me motiva mucho.

¿Crees entonces que Bran Van en su modalidad de banda, colectivo o soundsystem ayudó a abrir las puertas para bandas como The Avalanches o Broken Social Scene quienes también se etiquetan como colectivo?

No lo se, creo que dejaría que alguien más fuera el juez de eso. Pero lo que sí se es que cuando nosotros empezamos era muy emocionante porque nadie más usaba el término de “colectivo”, en realidad solo salió de nuestras bocas. Aunque al mismo tiempo, tampoco existían palabras como iPod, Coachella o mashup. En aquel momento nosotros mashupeabamos a The Who con The Pixies, y todas estas eran cosas emocionantes que en el tiempo no tenían nombre. Por otro lado, todo era más específico; habían estaciones de radio de rock, country, pop, etc. y la gente no sabía donde colocarnos. Ahora, en este mundo de iPods y Coachellas no parece haber ese problema.

Recuerdo la primera vez que los escuché denominarse como un colectivo, en realidad fue muy sorprendente porque entonces ese término solamente se usaba para cuestiones de arte.

Exacto. No recuerdo que se haya sido usado para algo musical, y en realidad fue por falta de vocabulario porque no teníamos como explicarlo de otra forma. Pero es un hecho que todas esas nociones ya existían mucho antes que nosotros.

Cuando hablas de juntar ritmos, me hace pensar inmediatamente en “Astounded”. Uno de los aspectos que más llama la atención de aquel tema es que la canción tiene una base disco, pero también tiene un poco de salsa. ¿Entonces cómo fue que decidieron que el disco quedaba bien con la salsa y que rematarían con las vocales de Curtis Mayfield?

Eso fue algo muy emocionante en el momento pues no era algo que se estaba haciendo y decidimos probarlo. “Astounded” sobre todo fue algo muy especial para mí porque pude ver como mis años de DJ rendían frutos de alguna forma. Empecé como DJ cuando era muy joven y hay un punto donde el disco, Curtis Mayfield y la música house pueden encontrarse y logramos juntarlos en una canción de amor bailable.

Se dice que “Astounded” es el último material que Curtis Mayfield grabó antes de fallecer, ¿qué sentiste cuando supiste la noticia?

Me parece que falleció en navidad y obviamente fue algo muy triste. La influencia que ha tenido en mi vida es inexplicable y recuerdo sentirme honrado en poder haber sido parte de su paso por este mundo y que nuestros caminos se hayan podido cruzar. Senitmos que de alguna forma él fue un guía para nosotros.

¿Recuerdas alguna enseñanza de Curtis al haber trabajado con él?

Curtis era una persona que se dedicaba a repartir buenas vibras y amor. Hubo mucho crecimiento entre Glee y Discosis y creo que su alma pavimentó mucho del camino que estaba frente a nosotros al tratar de crecer y componer soul. Su influencia es enorme.

Han estado inactivos durante algún tiempo, su último disco fue en el 2010 y ahora están por presentarse en México. ¿Crees que esto pueda servir como una fuente de inspiración para empezar a trabajar en un disco nuevo?

Definitivamente, después de esto vamos a empezar a grabar. Vamos a tocar algunas canciones nuevas en México y de hecho estamos muy inspirados en este momento.

Future This

The Big Pink

(4AD, 2012)

Por: Erick Elola

En 2009 el dueto londinense The Big Pink, conformado por Robbie Furze y Milo Cordell, sorprendió con el lanzamiento de su debut A Brief History Of Love, un disco con cuerpo de sintetizador habitado por un alma ochentera al estilo My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain o Spacemen 3. Con estas influencias para su primer trabajo, los ingleses lograron un pop ruidoso, cuya virtud fue sobresalir del sonido electopop saturado que crecía sin control desde un par de años atrás. Parte del buen recibimiento se debió a temas como “Dominos”, que con su pegajoso coro comprobó una fórmula exitosa, acompañada de alta expectativa para su próxima entrega.

Es 2012 y finalmente conocemos la segunda producción de The Big Pink, titulada    Future This (escogido en honor al slogan de una compañía de patinetas de la década de los ochenta). Este nuevo álbum, al igual que el primero, fue lanzado vía 4AD, reconocido sello discográfico famoso por su afición al sonido oscuro del shoegaze que en algún momento contagió al debut de este dueto. A primera escucha, The Big Pink es el mismo que hace casi tres años, pero cuando se le aprecia con detenimiento es evidente que cuerpo y alma se han separado: Furze y Cordell decidieron aferrarse a su pop rosado, apuestan por sintetizadores saturados mientras reducen la astucia lírica de antes y ese toque shoegaze cautivador que aportaba su disquera.

Future This es un disco más superficial que su antecesor, con mayor énfasis en las texturas que en su centro. Es una manzana que luce irresistible por su intenso color rojo, pero sin mucho que saborear al comerla (aunque no deja de ser antojable). Este álbum mantiene un trabajo de elevada calidad estética, decorado por la impecable producción de Paul Epworth (Florence & The Machine, Friendly Fires) de inicio a fin. Además de su flamante producción, no hay duda de que se trata de un disco lleno de ímpetu y energía, con beats incansables que no pierden el hilo del big pink pop. En esta línea se encuentra el sencillo “Hit the Ground (Superman)”, que incorpora un sampleo de “O Superman” de Laurie Anderson, éxito de la música experimental en 1981.

La canción que abre Future This se llama “Stay Gold” y es el primer sencillo del álbum. Al parecer los chicos de The Big Pink decidieron gastar su carta fuerte desde el inicio y echar a andar la fórmula ganadora de “Dominos”. Podrá ser la mejor canción del disco, pero es una extensión de su primer éxito; la diferencia es que en lugar de festejar el sexo libre es un llamado a perseguir los sueños. Éste ultimo es un tema recurrente en las letras de Future This: “A time to love, a time to fly / And beat the darkness into light / Stay gold”. Fuerze y Cordell mencionan a Kanye West y su disco My Beautiful Dark Twisted Fantasy como influencia directa en su más reciente trabajo; este guiño al hip-hop se hace más  que evidente en el tercer track “Give It Up”. De los 10 temas que incluye el disco, cerca del final “Jump Music” es la canción más británica, ligeramente fuera de su habitual pop, pero nunca en nuevos aires por completo.

Future This es un disco que por igual podría convencer si se aprovecha para diversión y baile, así como decepcionar a quienes esperaron el momento de sentarse a escucharlo con atención (como hicieron con A Brief History Of Love) y encontrar la misma conexión con la sustancia lírica. Esta nueva entrega transpira una necesidad por explotar la potencia a merced del pop, y aunque no abandona sus primeras influencias, tampoco las conecta al interior. The Big Pink queda presa del aturdimiento provocado por sintetizadores y distorsiones precoces. Se agradece la energía, la consistencia y el ímpetu que transmite Future This, también desde una producción excelsa. No obstante, habrá que ver cuánto tiempo aguanta una fórmula de éxito que tarde o temprano sufrirá su desgaste natural. Moraleja: no todo lo que brilla permanece siendo oro.

The Maccabees

Given To The Wild

(Fiction Records, 2012)

Por Ariela Stern

Una banda de nombre bíblico formada por ateos británicos con influencias de los ochenta al estilo de The Stone Roses, Kate Bush y David Bowie ha llegado a ser algo tan normal que es ya parte del paisaje común. Parecería inimaginable encontrarse con la ironía y ambigüedad que representa el tercer álbum de estudio de The Maccabees, Given To The Wild.

A tres años de su último lanzamiento, Wall Of Arms, The Maccabees regresa a la escena inglesa con un álbum que experimenta con géneros musicales, es como si fuera una compilación de cantos bélicos. La banda londinense adopta un estilo de melodía épica y emocional que amerita una comparación con el sonido de sus compatriotas, Coldplay.

The Maccabees se suben al vagón del dream pop: basta con la primera melodía, la que le da nombre al disco, para sumergirse en un mood cósmico y profundo. La voz tranquila de Orlando Weeks susurra melódicamente el nombre del disco, con una tranquilidad casi preocupante, mientras ocasionales risitas de niños interrumpidas por ruido blanco aseguran que éste no será un viaje predecible.

The Maccabees eligieron como productores a los maestros de la electrónica y el dance punk, Tim Goldsworthy y Bruno Ellingham (LCD Soundystem y Massive Attack). Gracias a esto, la banda se arriesgó a añadir elementos electrónicos implementando también un método más relajado que hasta cierto punto suena a una improvisación.

Given To The Wild es un álbum que refleja las posibilidades de transformación, de forma peligrosa y emocionante tanto de la música como de la banda misma. “Glimmer” es un corte que se apega al diseño de la portada del disco a cargo de Andy Goldsworthy, los beats que dan inicio a la canción hacen referencia a un campo quemándose lenta y apasionadamente; tal como una batalla en blanco y negro de los macabeos peleando en el desierto en cámara lenta.

Para entender la intención de The Maccabees en esta producción, es fundamental poner énfasis en “Child” y “Pelican”, cada una con momentos diferentes, pero ciertamente impredecibles: “Child” comienza con una melodía de sintetizador ambiental de ensueño y logra que la canción flote entre riffs pasivos de guitarra y líneas de bajo suaves a cargo de Rupert Jarvis. Es imposible ignorar la gran similitud entre la voz de Chris Martin y Weeks en éste track melancólico.

“So soon we’re to old to carry” es la primera línea de “Pelican”, una canción alegre e intensa, en la que entre notas golpeadas y la entonación vintage de Weeks se pueden apreciar flashbacks a los comienzos de la banda, cuando se inspiraban en la banda de punk revival The Futureheads; irónicamente la canción habla de crecer, de progresar, de transformarse.

Given To The Wild es un álbum con una estructura fuerte, comienza con canciones dulces y predecibles, sin embargo a partir de la tercera “Feel To Follow” se da un giro hacia lo salvaje. The Maccabees se atreven a explorar terrenos desconocidos pero seguros. Este, es un disco visceral y honesto, que demuestra que cualquier banda que se renueve con cada disco merece ser escuchada.

Por Ariela Stern

Fotos 

Al parecer la escena musical canadiense se mantiene muy presente en la Ciudad de México, pues la temporada musical del año pasado concluyó con la presentación de Feist y el primer concierto del 2012 estuvo a cargo de Metric.

Tras cinco años de su última visita a México y una desafortunada cancelación en el Corona Capital del 2010, la banda indie de Toronto, se presentó en el Auditorio Nacional para la promoción de su álbum Fantasies del 2009.

Las luces que dieron inicio al concierto eran igual de deslumbrantes que la belleza de Emily Hanes y las primeras notas de “Black Sheep” sonaban igual de sexys que el vestido negro de la vocalista.

Durante todo el concierto hubo una energía brutal propagándose desde el escenario hacia el publico. Emily Hanes gritaba, “Fight for your right to party!”, en la canción “Empty” y bailaba desenfrenadamente con un pandero, las manos en la cintura y agitando la cabeza, mientras tanto el público cantaba volviéndose loco. “Dead Disco” comenzó con un beat agudo e intenso, sin embargo casi al final de la canción Metric empezó a tocar con menos intensidad lo que hizo que el público se concentrara durante unos minutos solamente para llegar a un instante de absoluto silencio y después lograr una explosión de sonido que acabó en riffs cósmicos de la guitarra de James Shaw.

Por si fuera poco Metric toco “Hey, Hey My, My”, un cover a Neil Young, en donde incluso Emily Hanes tocó la guitarra y Shaw un solo que dejó a todo el Auditorio boquiabierto.

Momentum

“Gimme Sympathy” empezó en una especie de balada con la voz dulce de Emily pero con riffs que se volvían cada vez más poderosos y acelerados. De pronto Hanes gritó, “Rock and Roll Will Never Die!”  y comenzaron a sonar unos beats de rock clásico desde el sintetizador, mientras el coro de la canción presentaba un dilema interminable entre la gente, “Who´d you rather be? The Beatles or The Rolling Stones?”

Extravagante

Sorpresivamente, la última canción del concierto fue una versión acústica de “Combat Baby”: regularmente Metric trabaja mucho con sintetizadores e instrumentos eléctricos, pero esta Emily Hanes con su espectacular voz y James Shaw con su guitarra acústica, quedaron solos en el escenario. La inspiración y sentimiento con la que tocaron dejó al publico anonadado.

Lamentable

Desgraciadamente el Auditorio Nacional no fue el mejor foro para la presentación de Metric. La energía que la banda manejaba no era correspondida en un foro en donde no es posible pararse a bailar.

Moraleja

Metric regresó a la Ciudad de México con la intención de demostrar que -más vale calidad que cantidad- pues solamente tocaron 15 canciones, pero con una destreza y energía insuperable. Para los chilangos una hora y media de concierto no fue suficiente, Metric dejó con ganas de más.

Cartera de éxitos

Black Sheep

Satellite Mind

Hustle Rose

Poster Of A Girl

Help I´m Alive

Twilight Galaxy

Empty

Gold Guns Girls

Hey, Hey My, My

Gimme Sympathy

Sick Muse

Dead Disco

Stadium Love

Monster Hospital

Combat Baby